VIBRANT EXPRESSIONS

Unter dem Motto „VIBRANT EXPRESSIONS“ präsentieren zwölf Künstlerinnen und Künstler aus ganz Deutschland ab dem 28. März 2025 jeweils zwei ihrer Werke in der GRACE DENKER GALLERY. Sie geben Einblicke in ihr Schaffen und wecken Lust auf mehr. Die vielfältigen Methoden, Ideen und Konzepte sorgen für ein einzigartiges und inspirierendes Erlebnis.

Erfahren Sie im folgenden Artikel mehr über die Aussteller und erhalten Sie Einblicke in ihre künstlerischen Arbeiten und Konzepte.

Am Interview nahmen folgende Künstlerinnen und Künstler teil: Annette Murphy, Florian Wörrle, Gillette Lilienthal, Katharina Hindes, Marika Fleck, Marzena Brandt, Nassim Aslani, Siegmar Ahlvers, Sybille Stein, Teodora Dumitrache, Torsten Zöllner und Vanessa Vilchis.

Registrieren Sie sich für die Vernissage unter: https://www.artcraftliving.com/event-list

Annette Murphy

Annette Murphys künstlerische Reise ist ein lebendiges Mosaik, gewebt aus den alltäglichen Momenten des Lebens. Ihre Inspiration entspringt einer Vielzahl von Quellen—eine zarte Frühlingsblume, ein Spaziergang durch den Hamburger Hafen, ein bewegendes Gesicht oder der nostalgische Duft von Mimosen, der an ihre Kindheit in Italien erinnert. Jedes Werk beginnt mit einem Moment der Erkenntnis, in dem sie sich gedrängt fühlt, die Essenz ihrer Inspiration durch Skizzen und Notizen festzuhalten, die schließlich in lebendige Kunstwerke verwandelt werden.

Murphys aktuelle Kollektion ist ein Zeugnis ihres Glaubens, dass der Schaffensprozess ebenso bedeutend ist wie das Endprodukt. Ihr Gemälde „The Sleepwalker“ veranschaulicht diese Philosophie. Entstanden aus einer schlaflosen Nacht, fängt das Kunstwerk die Essenz des Schlafs durch eine abstrakte Linse ein. Sie verwendete eine experimentelle Technik, indem sie eine große Flasche mit Spritzaufsatz nutzte, um die Umrisse des Schlafwandlers zu zeichnen, und fügte letztlich eine Schlafmütze aus dem 19. Jahrhundert hinzu, um das Werk zu vollenden. Das Ergebnis ist eine positive Reflexion über das Thema Schlafwandeln.

Mit Blick auf die Zukunft sieht Murphy ihre Arbeit in vier Hauptthemen weiterentwickeln: lebendige abstrakte Gemälde, semiabstrakte Porträts, dynamische Körperfiguren und florale Stillleben. Ihre Leidenschaft für Innovation treibt sie dazu, neue Techniken zu erforschen, insbesondere in der Mixed-Media-Kunst, bei der sie Acrylfarben, Tinten und Strukturpasten kombiniert, um Schichten von Licht und Tiefe zu schaffen. Eine aktuelle Herausforderung, die sie annimmt, ist das Schaffen eines Gemäldes mit nur einer Farbe, ein Projekt, das ihre kreativen Grenzen auslotet. Sie lässt sich von japanischen Holzschnitten und italienischen Renaissance-Künstlern inspirieren und integriert diese Einflüsse in ihre Arbeit.

Murphys Kunst ist eine tiefgründige Form der Meditation, die eine Auszeit vom Lärm des Alltags bietet. Ihre Gemälde sind emotionale Liebeserklärungen an die Schönheit des Lebens und appellieren an die emotionale Intelligenz der Betrachter. Sie glaubt, dass Emotionen dazu da sind, uns zu verbinden, und wenn ihre Kunst beim Betrachter Gefühle weckt, betrachtet sie dies als Erfolg.

Erleben Sie Annette Murphys Ausstellung—eine Feier der Schönheit des Lebens durch Farbe, Emotion und Inspiration.

Florian Wörrle

Florian Wörrles künstlerische Reise ist eine tiefgründige Erforschung der Inspiration durch die Natur, die über eine direkte semantische Interpretation hinausgeht. Seine Arbeit lebt von Analogien, Strukturen und Metaphern, die eine feine Balance zwischen autonomer Bildlichkeit und einer Illusion von Referenzialität schaffen. Dieser einzigartige Ansatz führt zu paradox anmutenden Kreationen, die sowohl visuell als auch haptisch fesselnd sind.

Sein künstlerischer Prozess ist ein Tanz zwischen spontanem, experimentellem Umgang mit Materialien und akribischer Verfeinerung. Diese Dualität bringt faszinierende Formen hervor, die Betrachter mit ihren lebendigen Farben und Texturen in ihren Bann ziehen. Wörrles aktuelle Kollektion betont die physische Präsenz von Kunst als Gegenpol zur digitalen Entmaterialisierung. Indem er das Verhältnis zwischen materieller und visueller Repräsentation neu definiert, brechen seine Werke mit traditionellen Formen des Tafelbildes und entwickeln sich zu Farbobjekten, die sich im Raum behaupten und die Betrachter direkt ansprechen.

Wörrles Kunst ist ein Akt der Freiheit und kindlichen Entdeckung, der sich dem überwältigenden Einfluss digitaler Medien und virtueller Welten widersetzt. Mit Blick auf die Zukunft strebt er an, tiefer in die grundlegenden Aspekte der visuellen Wahrnehmung und Materialität einzutauchen. Seine Fusion aus Farbobjekten und Materialbildern stellt sowohl das Vertraute als auch das Fragende infrage, spielt mit kanonisierten Bildsprachen und entlarvt Klischees. Diese Erforschung der Bildtheorie und Wahrnehmung in unserer zunehmend digitalisierten Welt bleibt für ihn ein spannendes Unterfangen.

Durch seine Kunst vermittelt Wörrle das Lustprinzip und lädt die Betrachter ein, ein sinnliches Erlebnis zu genießen. Seine Werke strahlen eine unbändige Freude an Farbe, Material und Schaffenskraft aus und ermutigen das Publikum, ein Kunsterlebnis zu genießen, das mehrere Sinne anspricht. Die Werke stehen im Widerspruch zu zeitgenössischen Tendenzen der Entmaterialisierung und betonen die unleugbare Präsenz des Körperlichen.

Wörrles Ausstellung bietet eine Feier der sinnlichen Freude und lädt die Betrachter ein, in die greifbare Schönheit der Kunst einzutauchen, die sowohl den Körper als auch die Seele anspricht.

Gillette Lilienthal

Gillette Lilienthal wusste bereits lange vor ihrem Schulabschluss, dass sie Kunstmalerin werden wollte. Es war für sie keine bewusste Entscheidung, sondern eine tiefe innere Überzeugung, die sie durch alle Herausforderungen der Gesellschaft getragen hat. Seit 1999 ist sie als selbstständige Künstlerin tätig und hat über ein Jahrzehnt lang Erwachsene und Kinder in ihrer eigenen Malschule unterrichtet. Nach vielen Auftragsarbeiten ist sie nun bereit, ihrer eigenen künstlerischen Vision freien Lauf zu lassen.

Ihr aktueller Stil zeigt Portraits auf neon-orange-pinkem Grund und repräsentiert einen extrovertierten, lautlosen Aufschrei einer introvertierten Künstlerin. Die schwarz-weißen Darstellungen der Menschen sind einfach und schnörkellos. Gillette hofft, dass die abgebildeten Personen sich in den Portraits gefallen und dass sie in schönen Momenten ihres Lebens eingefangen wurden.

In ihrer Arbeit bevorzugt sie Ölfarben, während sie Acryl meist für die Untergründe verwendet. Öl ermöglicht es ihr, sich über längere Zeiträume in ein Bild hineinzuarbeiten. Besonders kreativ gestaltet sie den Auftrag der Ölfarben mit alten Kreditkarten, die sie nach Belieben zuschneidet, um verschiedene Strukturen und Effekte zu erzielen.

Von den neongrundierten Hintergründen ihrer aktuellen Werke ist sie begeistert, da sie mit ihrer auffälligen Präsenz fast aufdringlich wirken. Die schwarz-weißen Portraits stellen die Realität dar: "Alles 'nur' Menschen wie du und ich." Gillette sieht sich selbst in jedem dieser Bilder. Ihre lautlos-lauten und aufgeweckten Portraits verkörpern einen Teil von ihr selbst; sie wirkt vielleicht schrill, ist in Wahrheit aber vielschichtiger. Sie hofft, die dargestellten Personen in einem Moment des Wohlbefindens und der Authentizität festgehalten zu haben, in dem sie ganz sie selbst sein konnten.

Katharina Hindes

Die Kunst der Emotionen: Katharina Hindes' Reise durch Widerstand und Wandlung.

Katharina Hindes ist eine Künstlerin, deren Arbeiten tief in der Erforschung von Emotionen und persönlichen Erfahrungen verwurzelt sind. Ihr kreativer Prozess wird von der Vielzahl an Bildern und Formen inspiriert, die eine einzelne Emotion annehmen kann. Sie taucht in diesen Prozess ein und lässt die Emotionen sie leiten, um Bilder zu schaffen, die deren Essenz einfangen.

In ihrer aktuellen Kollektion präsentiert Hindes Werke wie "Sieger" und "Soil", die zwar auf den ersten Blick unterschiedlich erscheinen, aber beide Themen wie Widerstand und Wandlung aufgreifen. "Sieger" verwendet das Symbol der Mohnblume, das für Widerstandskraft und den unerschütterlichen Lebenswillen steht. Im Gegensatz dazu ist "Soil" fließender und zeigt die zerstörerische, aber auch fruchtbare Natur von Veränderungen, das Chaos, das den Weg für Neues ebnet. Die Herausforderung für Hindes bestand darin, diese rohen Emotionen in Formen zu bringen, die nicht nur persönlich, sondern auch universell resonieren.

Mit Blick auf die Zukunft fühlt sich Hindes von dem Thema der Freiheit der Seele angezogen und erforscht Spiritualität nicht im religiösen Sinne, sondern als tiefere Untersuchung von Intuition, Energie und den unsichtbaren Kräften um uns herum. Sie ist fasziniert von der Verbindung klassischer Elemente mit experimentellen, fast chaotischen Strukturen und umarmt Gegensätze wie Licht und Dunkelheit, Härte und Weichheit, Beständigkeit und Vergänglichkeit.

Durch ihre Kunst hofft Hindes, dass die Betrachter ihre eigenen Geschichten finden. Sei es der Mut, der in "Sieger" verkörpert wird, oder das transformative Chaos von "Soil", sie wünscht sich, dass ihre Werke auf persönlicher Ebene resonieren und Emotionen und Geschichten hervorrufen, die vielleicht noch keine Worte gefunden haben. Ihre Kunst soll gefühlt werden, einen inneren Akkord anschlagen und das Unausgesprochene hervorbringen.

Marika Fleck

Marika Fleck: Eine Symphonie aus Farben und Formen

Marika Fleck ist eine Künstlerin, deren Werke eine lebendige Feier des Neuen und der Positivität sind. Ihre künstlerische Reise wird von der Faszination für neue Motive, Farben, Techniken und Materialien beflügelt, die ihre Neugier wecken und ihren kreativen Prozess antreiben. Im Mittelpunkt ihrer Kunst steht das Konzept der positiven Stimmungen, die sie in der Natur, in Landschaften, im Licht, in Menschen und im Zusammenspiel von Farben und Formen findet. Ihre Kreationen sind eine Verschmelzung von positiver Energie und Stimmung, verbunden mit sich ständig weiterentwickelnden Farbkombinationen und innovativen Techniken.

Flecks neueste Kollektion, „Mit Farben und Formen“, die Ende März in einer Ausstellung zu sehen sein wird, beschäftigt sich mit der Erforschung harmonischer Farbverläufe im Gegensatz zu kontrastierenden Tönen und der Wahl zwischen geometrischen und organischen Formen. Die Kollektion fordert die Grenzen von zwei- und dreidimensionalen Effekten heraus und beginnt mit der Einfachheit einer Linie und einer Farbpalette. Der kreative Prozess ist dynamisch und unvorhersehbar und erfordert oft Anpassungen, um Flecks hohen Ansprüchen gerecht zu werden.

Nachdem sie sich zuvor intensiv mit der Verwendung von Marmormehl und starken Texturen beschäftigt hat, nimmt Fleck diesen Weg wieder auf, um abstrahierte Landschaften mit vielfältigen Strukturen und Materialien zu schaffen, die Positivität ausstrahlen. Gleichzeitig verfeinert sie ihre Technik in der Darstellung von Wasser und Wellen, um deren Essenz lebendiger einzufangen.

Marika Fleck lässt sich von der positiven Energie inspirieren, die uns in der Welt umgibt. Ihre Kunst ist ein Medium für diese Positivität, das darauf abzielt, im Betrachter ein Gefühl für Schönheit, Wunder und Lebendigkeit zu wecken. Durch ihre Arbeit lädt Fleck das Publikum ein, die Freiheit zu erleben, die die Kreativität mit sich bringt, und ermutigt sie, die Freude und Lebendigkeit, die in ihrer Kunst steckt, zu umarmen.

Marzena Brandt

Marzena Brandt: Die Seele der Natur und Identität durch Fotokunst einfangen

Marzena Brandt, ursprünglich aus Polen, hat ihre Heimat in der lebendigen Stadt Hamburg gefunden, wo sie sich ihrer künstlerischen Reise im Bereich der Fotografie, speziell der Fotokunst, widmet. Ihre Arbeiten zielen darauf ab, dem Betrachter Geschichten, Momente oder Emotionen zu vermitteln, oft durch eine abstrakte Linse. Trotz der abstrakten Natur ihrer Werke bewahren sie eine starke Verbindung zur Realität und bieten eine einzigartige Perspektive, die zur Reflexion und zum Nachdenken einlädt.

Eine ihrer großen Leidenschaften ist die Erkundung von "Lost Places," die als Zeugen der Vergangenheit eine mystische Aura ausstrahlen. Ihre Faszination für diese vergessenen Orte ist eng mit ihrer Auseinandersetzung mit den Themen Identität und Natur verbunden, die zu zentralen Elementen ihrer Arbeit geworden sind.

In einer Welt, die von Kriegen, Spaltung, Schnelllebigkeit und Zerstörung geprägt ist, erinnern Marzenas Werke „Frühlingskuss“ und „Herbststimmung“ daran, wie wichtig die Natur als Quelle der Kraft und Harmonie ist. Durch ihre Kunst betont sie die Notwendigkeit, im Einklang mit der Natur zu leben und erkennt, dass wir ein integraler Bestandteil von ihr sind, jedoch darauf achten müssen, sie nicht übermäßig zu verändern.

Marzena Brandts zukünftige Arbeiten werden sich weiterhin mit diesen Themen auseinandersetzen und darauf abzielen, die Seele des Betrachters zum Schwingen und Nachdenken zu bringen. Ihre aktuelle Botschaft ist ein Aufruf, die natürliche Welt zu schätzen und zu schützen, und ermutigt uns, Trost und Inspiration in ihrer Schönheit zu finden.

Nassim Aslani

Nassim Aslani: Eine Reise durch Kunst und Reflexion

Inspiration und künstlerischer Prozess:

Nassim Aslani ist eine visionäre Künstlerin, die ihre Inspiration in der thematischen Erkundung findet. Sie erschafft ihre Kunstwerke oft in Serien, was ihr ermöglicht, sich intensiv mit einem gewählten Thema auseinanderzusetzen und es durch ihre Gemälde auszudrücken. Dieser methodische Ansatz erlaubt es ihr, ihre Inspirationen in kohärente und zum Nachdenken anregende Kollektionen zu übersetzen.

Aktuelle Kollektion: "Pause":

Aslanis neueste Serie mit dem Titel "Pause" lädt die Betrachter ein, über die Bedeutung von Pausen in unserem täglichen Leben nachzudenken. Obwohl es eine alltägliche Notwendigkeit ist, wird das Konzept des Innehaltens selten in der Malerei erforscht. Aslani stand bei der Schaffung dieser Serie vor keinen besonderen Herausforderungen; stattdessen konzentrierte sie sich darauf, das Wesen dieser Pausenmomente einzufangen und auf die Leinwand zu übertragen.

Zukünftige Ausrichtungen:

Mit Blick auf die Zukunft bereitet sich Aslani darauf vor, neue Themen und Techniken zu erforschen, auch wenn sie über die Details noch geheimnisvoll bleibt. Ihr Engagement für die Weiterentwicklung ihrer Arbeit deutet auf eine kontinuierliche Reise des künstlerischen Wachstums und der Erkundung hin.

Botschaft und Emotionen:

Durch ihre Kunst hofft Aslani, eine Botschaft der Ruhe und Achtsamkeit zu vermitteln. Sie ermutigt die Betrachter, sich vom Stress zu lösen und eine friedliche Perspektive auf das Leben einzunehmen. Ihre Arbeit dient als sanfte Erinnerung, die Momente des Lebens mit Gelassenheit und Wertschätzung zu genießen.

Nassim Aslanis Kunst ist ein Zeugnis für die Kraft der thematischen Erkundung und die Wirkung von Kunst auf unser emotionales Wohlbefinden. Ihre Fähigkeit, alltägliche Konzepte in tiefgründige visuelle Erzählungen zu verwandeln, macht sie zu einer einzigartigen Stimme in der zeitgenössischen Kunstszene.

Siegmar Ahlvers

Siegmar Ahlvers: Ein Künstlerischer Blick aus der Höhe

Siegmar Ahlvers, ein vielseitiger Künstler mit einem Hintergrund als Ingenieur, vereint in seiner Arbeit Detailgenauigkeit und die Fähigkeit, das große Ganze zu sehen. Er beschreibt sich selbst als Generalist, der ständig neue Genres und Gebiete erkundet und weiterentwickelt. Seine künstlerische Reise im Jahr 2025 hat ihn buchstäblich in neue Höhen geführt, indem er seinen „Blick von oben“ von der Erde in den Weltraum verschoben hat. Inspiriert von Satellitenbildern, schafft Ahlvers faszinierende Kunstwerke, die die Erde aus der Perspektive eines Satelliten zeigen. Diese Werke, oft in Echtfarben oder Fehlfarben, veranschaulichen physikalische, chemische, biologische und klimatische Phänomene und bieten eine reiche Quelle der Inspiration für seine abstrakten Kunstwerke.

Die aktuelle Kollektion von Ahlvers, „Earth Top View“, besteht aus Kunstwerken, die durch Satellitenbilder inspiriert sind. Jedes Werk ist einzigartig und trägt eine fortlaufende Nummer, wobei einige auch spezifische Regionen der Erde darstellen. Die Herausforderung, die Ahlvers in dieser Serie meisterte, bestand darin, die Strukturen der Erdoberfläche mit Acrylfarben darzustellen. Er experimentierte mit verschiedenen Techniken, darunter das Auftragen von Farben direkt aus der Tube oder mit einem Spachtel und das Verwenden eines Silikonpinsels. Diese Techniken erzeugen plastische Strukturen, die das Ergebnis unvorhersehbar und spannend machen.

Ahlvers plant, seine kleinen „Earth Top View“-Werke zu fotografieren und als großformatige Kunstdrucke anzubieten, um ihre plastische Wirkung zu verstärken. Zudem interessiert er sich für die Möglichkeiten, seine strukturierten Werke mit einem Lidar-Sensor in 3D aufzunehmen und in animierte Kunstwerke oder Videos zu verwandeln. Diese innovativen Ansätze zeigen, dass Ahlvers stets bestrebt ist, neue Techniken zu erforschen und seine Kunst weiterzuentwickeln.

Mit seinen Werken möchte Ahlvers die Betrachter dazu anregen, die Erde als einen faszinierenden und rätselhaften Planeten zu entdecken. Seine Serie „Earth Top View“ soll Neugier wecken und die Schönheit und Geheimnisse unseres Planeten in den Vordergrund stellen. Ahlvers hofft, dass die Betrachter durch das ruhige Betrachten seiner Kunstwerke inspiriert werden, die Erde aus einer neuen Perspektive zu sehen und das Geheimnisvolle zu genießen.

Sybille Stein

Momente der Freude: Den Alltag einfangen mit Sybille Stein

Sybille Stein ist eine Künstlerin, die ihre Inspiration aus den alltäglichen Momenten und Gedanken schöpft und diese mit Farbe, Komposition und einer Prise Humor in ihre Werke einfließen lässt. Ihre Kunst strahlt Lebensfreude und Leichtigkeit aus, was sich besonders in ihrer aktuellen Kollektion zeigt, die von den Geschichten und Alltagssituationen von Frauen inspiriert ist. Stein ist fasziniert von den oft übersehenen Momenten im Leben von Frauen und versucht, diese mit lebendigen Farben und einer warmen Atmosphäre auf die Leinwand zu bringen.

Der kreative Prozess von Sybille Stein ist voller Überraschungen, insbesondere beim Experimentieren mit Farbkombinationen, wo sie immer wieder neue Harmonien und spannende Kontraste entdeckt. Die größte Herausforderung besteht darin, die richtige Balance zwischen Witz, Charme, Ausdruck und Farbspiel zu finden, was den Entstehungsprozess jedoch umso aufregender macht.

In der Zukunft plant Stein, ihre Frauenserie weiterzuentwickeln und die Ausdruckskraft ihrer Werke zu verfeinern, um Emotionen noch gezielter zu transportieren. Gleichzeitig zieht es sie zur abstrakten Malerei, einem neuen Experimentierfeld, das ihr ermöglicht, ihre kreative Sprache auf eine freiere Art zu erforschen.

Mit ihren Werken hofft Sybille Stein, den Betrachtern ein Lächeln ins Gesicht zu zaubern und sie mit positiver Energie zu erfüllen. Ihre Kunst soll humorvoll und charmant kleine Momente des Alltags einfangen und im Gedächtnis bleiben. Stein möchte Leichtigkeit und Freude vermitteln – Kunst, die nicht nur gesehen, sondern auch gefühlt wird.

Teodora Paula Dumitrache

Teodora Dumitrache ist eine Künstlerin, deren Arbeit tief in der Erforschung von Emotionen und den spontanen Funken der Inspiration verwurzelt ist, die daraus entstehen. Ohne eine einzige definierte Inspirationsquelle lässt sich Teodora von einer Vielzahl von Erfahrungen bewegen, von denen einige sie tief berühren, während andere weniger Eindruck hinterlassen. Es ist die Intensität bestimmter Gefühle, die oft ihren kreativen Prozess antreibt und zu plötzlichen Ideen und Konzepten führt, die sie sorgfältig in Form und Farbe umsetzt.

Ihre neueste Kollektion, "Lustige Tiere", entstand aus einer einzigartigen Herausforderung. Ein Sammler trat mit der Bitte an sie heran, bunte Tiere in einem bestimmten Stil zu malen, darunter auch seinen geliebten Hund. Diese Herausforderung führte zu einer Reihe von lebendigen, ausdrucksstarken Gemälden, die sich seitdem zu einer größeren, fortlaufenden Kollektion entwickelt haben. Diejenigen, die diese Werke erworben haben, äußern oft, dass die Bilder Freude bereiten und ein Lächeln auf ihre Gesichter zaubern – ein Gefühl, das Teodora für universell notwendig hält.

Teodora ist eine lebenslange Lernende, getrieben von Neugier und einer Vorliebe für Herausforderungen. Sie entwickelt ihr Handwerk kontinuierlich weiter und ist überzeugt, dass ihre Reise noch lange nicht zu Ende ist. Diese Offenheit für Experimente und Kreationen ebnet den Weg für neue Kollektionen und innovative künstlerische Ausdrucksformen.

Ihr Wunsch ist es, dass Betrachter ihrer Werke Freude und eine reiche Farbenvielfalt entdecken. Teodora ist überzeugt, dass diejenigen, die eines ihrer Stücke schätzen, wahrscheinlich dazu neigen werden, mehr von ihren einzigartigen Kreationen zu erkunden, von denen jedes ein Zeugnis ihrer unverwechselbaren künstlerischen Vision ist.

Torsten Zöllner

Torsten Zöllner: Ein Visionär der Naturfotografie

Torsten Zöllners Reise in die Welt der Fotografie begann mit seinen frühen kreativen Neigungen, angetrieben von dem Wunsch, die Welt durch eine einzigartige Linse zu sehen. Für Zöllner ist Fotografie nicht nur eine Technik, sondern ein kraftvolles Ausdrucksmedium. Sein künstlerisches Streben ist tief in der Natur verwurzelt und spiegelt seine Überzeugung wider, dass er untrennbar mit ihr verbunden ist und ohne sie nicht existieren kann. Diese Verbindung treibt seine Motivation an, die natürliche Welt zu bewahren und zu schützen, die er als kostbaren Schatz betrachtet.

Zöllners fotografischer Ansatz zeichnet sich durch den Einsatz manueller Techniken aus, die ihm ermöglichen, mit Licht und Schatten zu spielen, um die Essenz flüchtiger Momente einzufangen. Sein künstlerischer Prozess ist von einem Gefühl der Euphorie und Vorfreude geprägt, da jeder festgehaltene Moment zu einem Meilenstein in seinen kreativen Projekten wird.

In seiner gefeierten Serie „Natural Areas“ definiert Zöllner Naturräume neu, indem er mehrere Einstellungen und Szenen zu einem zusammenhängenden Ganzen kombiniert. Dieser innovative Ansatz führt zu Bildern, in denen Farben, Licht und Schatten nahtlos ineinanderfließen und die Betrachter einladen, die Natur in einem neuen Licht zu erleben. Durch seine künstlerische Linse möchte Zöllner die Natur dem Betrachter näherbringen und ein Bewusstsein für ihre Schönheit und Zerbrechlichkeit schaffen.

Seine Arbeiten sind sowohl kraftvoll als auch fantasievoll und ermutigen zu persönlicher Interpretation und Auseinandersetzung. Zöllners Fotografie fängt nicht nur den Glanz der Natur ein, sondern fordert die Betrachter auch heraus, über die Oberfläche hinauszusehen und eine tiefere Verbindung zur Welt um sie herum zu inspirieren.

Vanessa Vilchis | Vibrant Expression Ausstellung

Vanessa Vilchis: Eine Reise durch Kunst und Emotion

Vanessa Vilchis ist eine Künstlerin, deren Arbeiten zutiefst persönlich und ausdrucksstark sind und aus einer Vielzahl von Quellen Inspiration schöpfen. Ihr künstlerischer Prozess ist eine dynamische Reise, bei der jedes Kunstwerk seine eigenen Bedürfnisse kommuniziert und sie durch Entscheidungen zu Farbe, Form und neuen Elementen leitet. Dieser Prozess ist nicht statisch; er entwickelt sich weiter, während das Kunstwerk fortschreitet, manchmal bleibt die ursprüngliche Idee bestehen oder verwandelt sich auf unerwartete Weise.

In ihrer aktuellen Kollektion begab sich Vilchis auf eine einzigartige künstlerische Reise, insbesondere mit ihrem Werk „The Visit“. Anders als bei ihren früheren Arbeiten verlangte dieses Stück einen Fokus auf das zugrunde liegende Konzept und nicht nur auf die figurativen Elemente. Die Herausforderung bestand darin, ein menschliches Skelett aus einem bestimmten Winkel darzustellen und es mit anderen Elementen wie Schmetterlingen über zwei Leinwände hinweg zu integrieren. Diese Dualität lädt die Betrachter ein, sich die verschiedenen Ebenen und Dimensionen vorzustellen, in denen diese Figuren existieren.

Ihr Selbstporträt, das 2022 begonnen wurde, ist ein weiteres Zeugnis ihres sich entwickelnden Prozesses. Es dient als Medium zur Selbstreflexion und ermöglicht es Vilchis, ihr physisches und psychologisches Selbst zu erforschen.

Mit Blick auf die Zukunft freut sich Vilchis darauf, mit neuen Themen und Techniken zu experimentieren. Sie plant, weiterhin den menschlichen Körper zu erforschen, jedoch mit einer frischen Perspektive, die von ihren bisherigen Interpretationen abweicht.

In ihrer Ausstellung hofft Vilchis, bei den Betrachtern eine tiefe emotionale Reaktion hervorzurufen. „The Visit“ ist inspiriert von Mexikos Tag der Toten, einem Fest des Lebens und des Todes, das verstorbene geliebte Menschen ehrt. Dieses Gemälde fängt die Essenz dieser Tradition ein und zeigt den Besuch eines Verstorbenen in der Welt der Lebenden, symbolisiert durch zwei Schmetterlinge, die Seelen darstellen. Das Stück ist eine herzliche Hommage an Vilchis' persönliche Geschichte, wobei der Schädel ihre verstorbene Mutter und die Schmetterlinge ihre Schwester und sie selbst symbolisieren.

Durch ihre Arbeit lädt Vilchis die Betrachter ein, das Konzept des Todes nicht als Ende, sondern als Feier des Lebens und der Kontinuität zu betrachten. Ihre Kunst ermutigt zur Reflexion über die zyklische Natur der Existenz und die dauerhaften Bindungen zwischen den Lebenden und den Verstorbenen.

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Ausstellungsdauer: 28.03.2025 bis 10.07.2025

Ort: GRACE DENKER GALLERY, Hammerbrookstraße 93, 20097 Hamburg.

Eröffnung: 28. März 2025, 18:30 Uhr

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